LES MARGUERITES

MARGUERITE YOURCENAR- L´OEUVRE AU NOIR

par Federica Ramazzi et Adriana La Buonora

“Toute douleur prolongée insulte à leur oubli.”
                                                                       Marguerite Yourcenar  “ Mémoires d'Hadrien.

             Marguerite Cleenewerck de Crayencour, dont elle utilise l’anagramme est une écrivaine francophone, mais non française.

            Elle est née à Bruxelles, le 8 juin 1903. Le décès de sa mère lors de l'accouchement, a fait qu'elle ait toujours souffert malgré les efforts de son père qui était un homme très cultivé, anticonformiste et très grand voyageur.

            Il a tenait énormément à l'éducation de Marguerite et l’envoya toujours dans des institutions privées. Son premier poème dialogué, Le Jardin des chimères, est publié à compte d'auteur en 1921 et signé Yourcenar, anagramme de Crayencour à l'omission d'un C près, qui deviendra son patronyme légal en 1947 lors de sa naturalisation comme américaine.

Son roman Mémoires d'Hadrien, en 1951, connaît un succès mondial et lui vaut le statut définitif d'écrivain, consacré en1970 par son élection à l'Académie royale de langue et de littérature françaises de Belgique, et dix ans plus tard, par son entrée à l'Académie française, grâce au soutien actif de l'écrivain et académicien Jean d'Ormesson.

M. Yourcenar est la première femme à siéger à l'Académie française. Elle dit avoir longtemps hésité, pour le choix de son sujet, entre l'empereur Hadrien et le mathématicien-philosophe Omar Khayyâm.

            Elle a écrit des anagrammes, des poèmes dialogués, des essais, des critiques et des romans. Elle a aussi étudié des langues anciennes, la littérature et fait de nombreuses traductions.

            Elle a été définie comme humaniste. L'obscurantisme et l'ignorance sont des soucis toujours présents dans l'œuvre de cette femme.

            C’est peut-être pour ça que le personnage de Zénon paraît si naturel. Sa lutte contre le cléricalisme, l'obscurantisme, l'intolérance de ce Dieu vengeur et punisseur qui brûle tout ce qui ne comprend pas est de chaque instant.

            Zénon représente l'antagonisme entre Moyen Âge et Renaissance, du choix de l'individu de mourir de sa propre main contre la possibilité d'une exécution honteuse; il refuse d'obéir à son époque.

            Comme extrême geste de rébellion, comme ultime signe d’insoumission, Zénon préfère se suicider en se coupant les veines avant que de se faire brûler le lendemain.

            L’extrait montre une lutte tenace contre son propre corps. La mort apparaît inéluctable car même en agonie « son corps (avait) une activité violente et désordonnée”, il avait soif mais il était incapable de l'étancher, son pied lui pesait, il ne réussissait pas à se déboutonner, la nausée apparaît... ».

Lorsque la mort naturelle ou accidentelle approche, en général, on ne la sent pas venir mais lorsque le suicide est décidé et la personne passe à l’acte, toust son corps et son âme sont en émois. Tout se bouscule à l’intérieur, le cœur bat plus vite donc le sang circule à grande vitesse ; c’est l’excitation d’avoir pris une décision vitale et de savoir que c’est la bonne. C’est aussi savoir que l’heure de la délivrance approche et dans le cas de Zénon c’est aussi le fait de savoir qu’il va prendre sa revanche sur sa vie et sur son destin : c’est lui qui choisit quand et comment mourir. De plus, Zénon ne va pas mourir comme ses bourreaux l’ont voulu : il leur rit au nez, c’est lui qui a gagné.

            Zénon calcule  plusieurs fois la durée de sa souffrance. « Trois quarts d'heure qui s'étaient écoulés » et  « il essaya de calculer le temps qu'il faudrait  pour que la flaque rouge s’allongeât de l'autre côté du seuil ». Cependant il conçoit le futur « cette soif cesserait bientôt », « Mais peu importait, il était sauvé », « on ne brûlerait demain qu'un cadavre ».

Le temps qui passe est lent, en contradiction avec les sensations vertigineuses et rapides que ressent Zénon internement et sa soif intense de délivrance.

La rapide description des éléments extérieurs représente la mort dans son sens le plus large. « …les bruits de clochers …» : lors d’un enterrement le clocher d’une église retentit et les cloches se font entendre. « …le tonnerre… », c’est encore une image d’un temps triste, noir, obscur et gris comme le moment historique que vit Zénon. Mais c’est aussi l’image de la mort : on n’associe que très rarement le soleil et le beau temps à ce moment terminal de la vie, surtout si la personne se suicide. Le tonnerre nous indique la tempête et lorsque Zénon se suicide tout son corps et son âme sont en pleine « tempête ». Marguerite Yourcenar parle de « … criards oiseaux regagnant leur nid … », les oiseaux peuvent être assimilés aux corbeaux qui sont les oiseaux qui représentent la mort. Ces derniers crient toujours lorsque la mort rode dans les environs. Dans le cas de Zénon la mort est non seulement présente mais aussi consciente, vivante, choisi, désirée, voulue et accomplie. Finalement, Zénon entend « au dehors le son précis d’un égouttement... le sang qui s’écoulait sur le carreau.» : le suicide par coupure des veines est une mort lente qui voit le peu de temps qui reste, passer. Chaque goutte sur le carrelage est une de moins avant la mort certaine. Le temps passe, chaque goutte peut s’assimiler aux secondes qui passent et qui sont les dernières de souffrance avant la libération finale.

Toute cette description des éléments extérieurs renforce l’idée de souffrance de l’âme et du corps et la soif intense de délivrance.

            On peut trouver une expression-clé “Mais peu importait: il était sauvé”.  Le triomphe du suicide c'est l'ironie de sa propre mort. A celle-ci, on ajoute que Zénon choisit sa  façon de mourir. Le feu, parmi les ressources de l'inquisition (dont l'eau, la corde, et plusieurs éléments de torture) utilisé contre tout suspect d'hérésie ou apostasie, non seulement cherche la purification, mais la déshumanisation de l'être. C'est contre ça la révolte de Zénon. Il est sauvé de l'anonymat, de l’oubli, des cendres, du rien.

MARGUERITE DURAS- L´AMANT
par Lucía González et Claudio Silva

           

MARGUERITE DURAS

Marguerite Duras, de son vrai nom Marguerite Donnadieu, est née le 4 avril 1914 à Gia Dinh, Saïgon. Elle passe toute son enfance au Vietnam à 1932 après avoir obtenu son baccalauréat, elle quitte Saïgon et vient s’installer en France pour poursuivre ses études. En 1963 elle obtient sa licence en Droit.

Elle était partisanne du Parti Comuniste Français et en 1950 elle le quitte.

Journaliste  dramaturge scénariste, elle reçoit le Grand prix du théâtre de  l'Académie française en 1983 et le prix Goncourt en 1984 pour « L' Amant », adapté par Jean-Jacques Annaud au cinéma. Son œuvre est à rattacher au courant du Nouveau Roman. Les textes de Marguerite Duras, concis, chargés d'ellipses et de silences, se disloquent jusqu'à l'énigme. Les écrits, les paroles sont à la fois insuffisants et superflus. Parmi ses romans, on peut citer « Un barrage contre le Pacifique » (1950), « Le Marin de Gibraltar » (1952), « Moderato cantabile » (1958).

Elle connaît une notoriété internationale avec Hiroshima mon amour, le film d’Alain Resnais dont elle écrit le scénario et les dialogues.

L’amant

L’amant est un roman de Margueritte Duras, qui date de 1944 et présente l’histoire probablement autobiographique d’une jeune fille d’origine européenne âgée de quinze ans qui tombe amoureuse d’un chinois fort riche qui redouble son âge.

Bien que  le roman porte sur  cette histoire d’amour, il y a une multiplicité d’interprétations et de niveaux de lecture. Il s’agit aussi d’une description implicite de la situation  de conflit social et ethnique, de la différence d’âge, de la découverte de l’amour et du plaisir  dans le cadre de la première expérience sexuelle.

Elle récrée la souffrance éprouvée  au sein de sa propre vie familiale, la relation avec ses frères, l’amour envers sa mère.

Même si on peut « entendre » le tonne autobiographique du roman, il ne faut pas  l’assimiler à un récit spécifique des évènements da sa vie. En effet on aperçoit la réalité nuancée par son imagination.

La narratrice évoque plusieurs  évènements, quelques-uns de forme complète complets, d’autres inachevés et même d’autres qu’elle raconte plusieurs fois pour préciser certains aspects de ce qui est présent ou pour le montrer d’un point de vue différent.

Encadrée dans un environnement exotique cette histoire s’inscrit dans l’Indochine coloniale de l’entre guerre.

PRÉSENTATION DE L’EXTRAIT.

Cet extrait présente une scène intime entre le personnage principal- la jeune fille de quinze ans- et son aimé.

La scène se  déroule dans une chambre, plus précisément dans le lit «  il met sa tête sur moi et il pleure de me voir pleurer » où la fille pleure à cause de  ses sentiments face a sa mère.

Le récit commence à la première personne et passe à la troisième personne  quand elle fait référence aux rêves. Elle  exprime ses propres sentiments par rapport  aux sentiments et expériences vécues par sa mère, à tel point qu’il en existe une identification.

« A travers les persiennes le soir est arrivé » à partir de ce moment le narrateur focalise son attention sur le décor, l’introduction des éléments du monde extérieur dans la scène : le vacarme, les lampadaires rompent l’atmosphère intime du premier moment et donnent lieu à la réflexion. En même temps qu’ils s’habillent, ils s’aperçoivent des changements chez la jeune fille qui « a vieilli », « qui est fatiguée ».

À la fin du récit la description de la cohue établi une opposition entre l’intimité des amants et l’aliénation de la foule qui marche sans sens sans un sens, sans désirs et  qui semble être accompagnée mais que finalement ils sont isolés.

ANALYSE DE L’EXTRAIT

La narration commence avec l’expression d’une douleur qui est « consolée » par les baisers. On pourrait penser que la souffrance sert de décor pour cette histoire parce que la jeune fille trouve une ambiance aisée pour se détendre et pour partager la douleur avec son amant. Alors, elle trouve dans « cette chambre » un espace introuvable dans sa famille.

 Le marqueur temporel « ce-jour-là » place les évènements qui suivent dans un passé par rapport au présent de la narration. L’effet  de ses larmes dépasse le jour auquel la narratrice fait référence pour consoler aussi la douleur du temps passé et du futur par rapport à ce passé, qui est, bref, le présent de la narratrice.

« lui dit que… »le recours au discours rapporté sert à récréer le dialogue entre les personnages, cette récréation nous permet de connaître la pensée de la narratrice qui exprime son désir de quitter sa mère.

« Je pleure, il met sa tête sur moi », afin de nous rapprocher aux évènements passés dans la chambre, la narratrice emploie le présent historique.

Ce passage nous montre le degré d’intimité et d’empathie existant entre le deux amants toujours du point de vue de la narratrice-personnage.

« Le malheur de ma mère a occupé le lieu du rêve » on peut remarquer la présence du malheur de la mère dans les rêves de la fille. C’est à travers le rêve que la fille trouve un moyen d’expression, qui est l’expression des sentiments de sa mère qui deviennent aussi les siens. La douleur remplaçant les illusions de l’enfance « jamais les arbres de Noël », c’est l’image d’une femme seule dans le désert mettant en relief les sentiments de solitude, car elle ne parle avec personne.

« À travers les persiennes le soir est arrivé », une série d’énnoncés où les verbes conjugués sont au passé composé et  aident à construire un changement d’atmosphère qu’introduit une description sensorielle du monde extérieur qui rompt avec l’intimité de la scène prècedent.

Nous passons d’une profonde intimité entre les personnages, d’une identification qui leur permet de partager les sentiments, à l’irruption du bruit de l’extérieur, de la lumière qui s’allume  pour briser l’ambiance presque sacrée des amants dans le lit.

« Nous sommes sortis de la garçonnière », à travers cette métaphore s’illustre la transition entre deux états d’esprit. D’une part l’état de communion entre les amants qui les fait ressembler à deux enfants, et  d'autre part deux personnes habillées selon les conventions sociales.

Finalement la  fille se reconnaît comme une femme quand elle pronnonce : 

«  J’ai vieilli». Son amant la reconnait de cette façon aussi, en disant  «  tu es fatiguée ».

Le dernièr paragraphe décrit le dégre d’aliénation que souffre « la foule de la Chine » qui marche « galeuse comme les chiens abandonnés ». Le point de vue de la narratrice par rapport à la façon de vivre nous montre un regard distant, qui exprime le dégoût par ces gens qui marchent ensemble comme s’ils n’ avaient pas de sentiments « sans tristesse, sans curiosité ». Le paragraphe finit avec une préoccupation existentialiste de part de la narratrice qui voit la cohue symbolisant l’humanité dans sa marche sans propos.

Pour conclure, cet extrait porte sur la profonde expression de douleur qui s’exprime à travers les pleurs partagés  des amants  unis par  ce sentiment.

Le proposé de la narratrice qui regarde avec dégoût l’aliénation de la société chinoise et par extension du monde capitaliste.

L’extrait montre le style personnel de l’écriture de Duras  dans ce roman et sa capacité pour élever à un plan universel les sentiments et les préoccupations de cette fille qui se plaint de la pauvreté, de la solitude et de la faim.

Merci Mme le Professeur Soledad Lessa (corrections)!!!! 

           

LE PROGRAMME

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LITTÉRATURE DES PAYS FRANCOPHONES 3- IPA

PROF. MARÍA JOSÉ LARRE BORGES

PROGRAMME

1) Dada et surréalisme

Origine et histoire du mouvement

André Breton

Les techniques d'écriture surréalistes

Texte: Les manifestes, résumé.

2) Grands narrateurs du XXème siècle

André Malraux

Texte: Incipit de “La condition humaine”

Albert Camus
Texte: La représentation d'Orphée et Eurydice, “La peste”
3) Le théâtre de l´absurde

Eugène Ionesco

Texte: Scène 1 de “La cantatrice chauve”

4. Genre lyrique

Jacques Prévert, poete populaire

Texte: Les feuilles mortes

5. Les “femmes savantes”

Marguerite Duras et Marguerite Yourcenar

Texte (oral): “L´amant” ou “L´oeuvre au noir”

6. Un peu d´actualité (lecture)

JMG Le Clézio: “Les maîtres du langage n´aiment pas les hommes”

Pour une littérature-monde en français

Pour une littérature-monde en français est un manifeste littéraire publié par le journal Le Monde le 16 mars 2007, au cœur de la campagne présidentielle qui allait mener à l'élection de Nicolas Sarkozy, défendant le concept de littérature-monde au détriment du concept de littérature francophone. Cet événement a été suivi tout de suite de la parution de l’ouvrage intitulé Pour une littérature-monde.


Les signataires de ce manifeste sont : Muriel Barbery, Tahar Ben Jelloun, Alain Borer, Roland Brival, Maryse Condé, Didier Daeninckx, Ananda Devi, Alain Dugrand, Edouard Glissant, Jacques Godbout, Nancy Huston, Koffi Kwahulé, Dany Laferrière, Gilles Lapouge, Jean-Marie Laclavetine, Michel Layaz, Michel Le Bris, le prix Nobel de littérature JMG Le Clézio, Yvon Le Men, Amin Maalouf, Alain Mabanckou, Anna Moï, Wajdi Mouawad, Nimrod, Wilfried N'Sondé, Esther Orner, Erik Orsenna, Benoît Peeters, Patrick Rambaud, Gisèle Pineau, Jean-Claude Pirotte, Grégoire Polet, Patrick Raynal, Raharimanana, Jean Rouaud, Boualem Sansal, Dai Sijie, Brina Svit, Lyonel Trouillot, Anne Vallaeys, Jean Vautrin, André Velter, Gary Victor, Abdourahman A. Waberi.

Le confinement de l’imagination des écrivains classifiés en « écrivains francophones » et « écrivains français » a amené les signataires du manifeste et défenseurs de la littérature-monde à voir la « littérature francophone » comme une « variante exotique tout juste tolérée » de la « littérature française » et, avec elle, l’« idée de francophonie […] comme le dernier avatar du colonialisme ». La littérature-monde vise donc, de façon ultime, à libérer la langue « de son pacte exclusif avec la nation » pour ne donner à l’imaginaire d’autres « frontières que celles de l’esprit ».

Le Manifeste

Plus tard, on dira peut-être que ce fut un moment historique : le Goncourt, le Grand Prix du roman de l'Académie française, le Renaudot, le Femina, le Goncourt des lycéens, décernés le même automne à des écrivains d'outre-France. Simple hasard d'une rentrée éditoriale concentrant par exception les talents venus de la "périphérie", simple détour vagabond avant que le fleuve revienne dans son lit ? Nous pensons, au contraire : révolution copernicienne. Copernicienne, parce qu'elle révèle ce que le milieu littéraire savait déjà sans l'admettre : le centre, ce point depuis lequel était supposée rayonner une littérature franco-française, n'est plus le centre. Le centre jusqu'ici, même si de moins en moins, avait eu cette capacité d'absorption qui contraignait les auteurs venus d'ailleurs à se dépouiller de leurs bagages avant de se fondre dans le creuset de la langue et de son histoire nationale : le centre, nous disent les prix d'automne, est désormais partout, aux quatre coins du monde. Fin de la francophonie. Et naissance d'une littérature-monde en français.
Le monde revient. Et c'est la meilleure des nouvelles. N'aura-t-il pas été longtemps le grand absent de la littérature française ? Le monde, le sujet, le sens, l'histoire, le "référent" : pendant des décennies, ils auront été mis "entre parenthèses" par les maîtres-penseurs, inventeurs d'une littérature sans autre objet qu'elle-même, faisant, comme il se disait alors, "sa propre critique dans le mouvement même de son énonciation". Le roman était une affaire trop sérieuse pour être confiée aux seuls romanciers, coupables d'un "usage naïf de la langue", lesquels étaient priés doctement de se recycler en linguistique. Ces textes ne renvoyant plus dès lors qu'à d'autres textes dans un jeu de combinaisons sans fin, le temps pouvait venir où l'auteur lui-même se trouvait de fait, et avec lui l'idée même de création, évacué pour laisser toute la place aux commentateurs, aux exégètes. Plutôt que de se frotter au monde pour en capter le souffle, les énergies vitales, le roman, en somme, n'avait plus qu'à se regarder écrire.
Que les écrivains aient pu survivre dans pareille atmosphère intellectuelle est de nature à nous rendre optimistes sur les capacités de résistance du roman à tout ce qui prétend le nier ou l'asservir...
Ce désir nouveau de retrouver les voies du monde, ce retour aux puissances d'incandescence de la littérature, cette urgence ressentie d'une "littérature-monde", nous les pouvons dater : ils sont concomitants de l'effondrement des grandes idéologies sous les coups de boutoir, précisément... du sujet, du sens, de l'Histoire, faisant retour sur la scène du monde - entendez : de l'effervescence des mouvements antitotalitaires, à l'Ouest comme à l'Est, qui bientôt allaient effondrer le mur de Berlin.
Un retour, il faut le reconnaître, par des voies de traverse, des sentiers vagabonds - et c'est dire du même coup de quel poids était l'interdit ! Comme si, les chaînes tombées, il fallait à chacun réapprendre à marcher. Avec d'abord l'envie de goûter à la poussière des routes, au frisson du dehors, au regard croisé d'inconnus. Les récits de ces étonnants voyageurs, apparus au milieu des années 1970, auront été les somptueux portails d'entrée du monde dans la fiction. D'autres, soucieux de dire le monde où ils vivaient, comme jadis Raymond Chandler ou Dashiell Hammett avaient dit la ville américaine, se tournaient, à la suite de Jean-Patrick Manchette, vers le roman noir. D'autres encore recouraient au pastiche du roman populaire, du roman policier, du roman d'aventures, manière habile ou prudente de retrouver le récit tout en rusant avec "l'interdit du roman". D'autres encore, raconteurs d'histoires, investissaient la bande dessinée, en compagnie d'Hugo Pratt, de Moebius et de quelques autres. Et les regards se tournaient de nouveau vers les littératures "francophones", particulièrement caribéennes, comme si, loin des modèles français sclérosés, s'affirmait là-bas, héritière de Saint- John Perse et de Césaire, une effervescence romanesque et poétique dont le secret, ailleurs, semblait avoir été perdu. Et ce, malgré les oeillères d'un milieu littéraire qui affectait de n'en attendre que quelques piments nouveaux, mots anciens ou créoles, si pittoresques n'est-ce pas, propres à raviver un brouet devenu par trop fade. 1976-1977 : les voies détournées d'un retour à la fiction.
Dans le même temps, un vent nouveau se levait outre-Manche, qui imposait l'évidence d'une littérature nouvelle en langue anglaise, singulièrement accordée au monde en train de naître. Dans une Angleterre rendue à sa troisième génération de romans woolfiens - c'est dire si l'air qui y circulait se faisait impalpable -, de jeunes trublions se tournaient vers le vaste monde, pour y respirer un peu plus large. Bruce Chatwin partait pour la Patagonie, et son récit prenait des allures de manifeste pour une génération de travel writers ("J'applique au réel les techniques de narration du roman, pour restituer la dimension romanesque du réel"). Puis s'affirmaient, en un impressionnant tohu-bohu, des romans bruyants, colorés, métissés, qui disaient, avec une force rare et des mots nouveaux, la rumeur de ces métropoles exponentielles où se heurtaient, se brassaient, se mêlaient les cultures de tous les continents. Au coeur de cette effervescence, Kazuo Ishiguro, Ben Okri, Hanif Kureishi, Michael Ondaatje - et Salman Rushdie, qui explorait avec acuité le surgissement de ce qu'il appelait les "hommes traduits" : ceux-là, nés en Angleterre, ne vivaient plus dans la nostalgie d'un pays d'origine à jamais perdu, mais, s'éprouvant entre deux mondes, entre deux chaises, tentaient vaille que vaille de faire de ce télescopage l'ébauche d'un monde nouveau. Et c'était bien la première fois qu'une génération d'écrivains issus de l'émigration, au lieu de se couler dans sa culture d'adoption, entendait faire oeuvre à partir du constat de son identité plurielle, dans le territoire ambigu et mouvant de ce frottement. En cela, soulignait Carlos Fuentes, ils étaient moins les produits de la décolonisation que les annonciateurs du XXIe siècle.
Combien d'écrivains de langue française, pris eux aussi entre deux ou plusieurs cultures, se sont interrogés alors sur cette étrange disparité qui les reléguait sur les marges, eux "francophones", variante exotique tout juste tolérée, tandis que les enfants de l'ex-empire britannique prenaient, en toute légitimité, possession des lettres anglaises ? Fallait-il tenir pour acquis quelque dégénérescence congénitale des héritiers de l'empire colonial français, en comparaison de ceux de l'empire britannique ? Ou bien reconnaître que le problème tenait au milieu littéraire lui-même, à son étrange art poétique tournant comme un derviche tourneur sur lui-même, et à cette vision d'une francophonie sur laquelle une France mère des arts, des armes et des lois continuait de dispenser ses lumières, en bienfaitrice universelle, soucieuse d'apporter la civilisation aux peuples vivant dans les ténèbres ? Les écrivains antillais, haïtiens, africains qui s'affirmaient alors n'avaient rien à envier à leurs homologues de langue anglaise. Le concept de "créolisation" qui alors les rassemblaient, à travers lequel ils affirmaient leur singularité, il fallait décidément être sourd et aveugle, ne chercher en autrui qu'un écho à soi-même, pour ne pas comprendre qu'il s'agissait déjà rien de moins que d'une autonomisation de la langue.
Soyons clairs : l'émergence d'une littérature-monde en langue française consciemment affirmée, ouverte sur le monde, transnationale, signe l'acte de décès de la francophonie. Personne ne parle le francophone, ni n'écrit en francophone. La francophonie est de la lumière d'étoile morte. Comment le monde pourrait-il se sentir concerné par la langue d'un pays virtuel ? Or c'est le monde qui s'est invité aux banquets des prix d'automne. À quoi nous comprenons que les temps sont prêts pour cette révolution. Elle aurait pu venir plus tôt. Comment a-t-on pu ignorer pendant des décennies un Nicolas Bouvier et son si bien nommé Usage du monde ? Parce que le monde, alors, se trouvait interdit de séjour. Comment a-t-on pu ne pas reconnaître en Réjean Ducharme un des plus grands auteurs contemporains, dont L'Hiver de force, dès 1970, porté par un extraordinaire souffle poétique, enfonçait tout ce qui a pu s'écrire depuis sur la société de consommation et les niaiseries libertaires ? Parce qu'on regardait alors de très haut la "Belle Province", qu'on n'attendait d'elle que son accent savoureux, ses mots gardés aux parfums de vieille France. Et l'on pourrait égrener les écrivains africains, ou antillais, tenus pareillement dans les marges : comment s'en étonner, quand le concept de créolisation se trouve réduit en son contraire, confondu avec un slogan de United Colors of Benetton ? Comment s'en étonner si l'on s'obstine à postuler un lien charnel exclusif entre la nation et la langue qui en exprimerait le génie singulier - puisqu'en toute rigueur l'idée de "francophonie" se donne alors comme le dernier avatar du colonialisme ? Ce qu'entérinent ces prix d'automne est le constat inverse : que le pacte colonial se trouve brisé, que la langue délivrée devient l'affaire de tous, et que, si l'on s'y tient fermement, c'en sera fini des temps du mépris et de la suffisance. Fin de la "francophonie", et naissance d'une littérature-monde en français : tel est l'enjeu, pour peu que les écrivains s'en emparent.
Littérature-monde parce que, à l'évidence multiples, diverses, sont aujourd'hui les littératures de langue françaises de par le monde, formant un vaste ensemble dont les ramifications enlacent plusieurs continents. Mais littérature-monde, aussi, parce que partout celles-ci nous disent le monde qui devant nous émerge, et ce faisant retrouvent après des décennies d'"interdit de la fiction" ce qui depuis toujours a été le fait des artistes, des romanciers, des créateurs : la tâche de donner voix et visage à l'inconnu du monde - et à l'inconnu en nous. Enfin, si nous percevons partout cette effervescence créatrice, c'est que quelque chose en France même s'est remis en mouvement où la jeune génération, débarrassée de l'ère du soupçon, s'empare sans complexe des ingrédients de la fiction pour ouvrir de nouvelles voies romanesques. En sorte que le temps nous paraît venu d'une renaissance, d'un dialogue dans un vaste ensemble polyphonique, sans souci d'on ne sait quel combat pour ou contre la prééminence de telle ou telle langue ou d'un quelconque "impérialisme culturel". Le centre relégué au milieu d'autres centres, c'est à la formation d'une constellation que nous assistons, où la langue libérée de son pacte exclusif avec la nation, libre désormais de tout pouvoir autre que ceux de la poésie et de l'imaginaire, n'aura pour frontières que celles de l'esprit.

JMG Le Clézio- Prix Nobel 2008

Superbe!!!!!

http://www.nobelprize.org/mediaplayer/index.php?id=1058&view=7

Jean-Marie Gustave Le Clézio, plus connu sous la signature J. M. G. Le Clézio, né le 13
 avril 1940 à Nice, est un écrivain de langue française, de nationalités française et mauricienne.

Il connaît très vite le succès avec son premier roman publié, Le Procès-verbal (1963). 
Jusqu’au milieu des années 1970, son œuvre littéraire porte la marque des recherches formelles
du Nouveau Roman. Par la suite, influencé par ses origines familiales, par ses incessants
voyages et par son goût marqué pour les cultures amérindiennes, Le Clézio publie des romans 
qui font une large part à l’onirisme et au mythe (Désert et Le Chercheur d’or), ainsi que des 
livres à dominante plus personnelle, autobiographique ou familiale (L’Africain). Il est l’auteur 
d’une quarantaine d’ouvrages de fiction (romans, contes, nouvelles) et d’essais.

Le prix Nobel de littérature lui est décerné en 2008, en tant qu’«écrivain de nouveaux 
départs, de l’aventure poétique et de l’extase sensuelle, explorateur d’une humanité au-delà
et en dessous de la civilisation régnante. »

JACQUES PREVERT

Jacques Prévert

Jacques Prévert est un poète et scénariste français, né le 4 février 1900 à Neuilly-sur-Seine, et mort le 11 avril 1977 à Omonville-la-Petite (Manche). Auteur d'un premier succès, le recueil de poèmes, Paroles, il devint un poète populaire grâce à son langage familier et à ses jeux sur les mots. Ses poèmes sont depuis lors célèbres dans le monde francophone et massivement appris dans les écoles françaises. Il a également écrit des scénarios pour le cinéma.

Biographie

Jacques Prévert naît au 19 de la rue de Chartres à Neuilly-sur-Seine (actuellement Hauts-de-Seine) le 4 février 1900. Il y passe son enfance. Son père André Prévert, fait divers métiers pour gagner sa vie, et de la critique dramatique et cinématographique par plaisir. Il l'emmène souvent au théâtre et au cinéma. Suzanne, sa mère (née Catusse), l'initie à la lecture. Il s'ennuie à l'école, et dès 15 ans, après son certificat d'études, il abandonne les études. Il multiplie alors les petits travaux, notamment au grand magasin Le Bon Marché. Mobilisé en 1917, son service militaire se poursuit à Saint-Nicolas-de-Port où il rencontre Yves Tanguy, avant d'être envoyé à Istanbul où il fait la connaissance de Marcel Duhamel.

En 1925, il participe au mouvement surréaliste, qui se retrouve au 54 de la rue du Château près de Montparnasse. C'est en fait un logement « collectif » où habitent Marcel Duhamel, Raymond Queneau et Yves Tanguy. C'est Prévert qui trouvera le terme de cadavre exquis pour définir le jeu littéraire auquel ses amis et lui se livrent. Prévert est toutefois trop indépendant d'esprit pour faire véritablement partie d'un groupe constitué, quel qu'il soit. Il supporte mal les exigences d'André Breton, et la rupture est consommée en 1930. En 1932, il écrit les textes pour le groupe Octobre et il participe aux Olympiades du théâtre à Moscou.

Toute sa vie, Jacques Prévert témoignera d'un engagement politique sincère, et cet engagement sera à l'origine de ses plus belles réussites et de nombre de ses déboires. Le groupe Octobre, avec lequel il se fit remarquer, était une troupe de théâtre itinérante qui allait jouer dans les usines en grève. Jean Renoir, compagnon de route du Parti communiste français, travaille tout naturellement avec lui, en particulier sur Le Crime de Monsieur Lange. Lumière d'été de Jean Grémillon met en scène l'oisiveté et le travail, et Les Visiteurs du soir s'achève, après que le diable a transformé en statues de pierre les amoureux qui lui résistaient, par un battement sourd et cette réplique, que tous les français comprirent : « Ce cœur qui bat, qui bat...».

Il est le scénariste et dialoguiste de grands films français des années 1935-1945, notamment Drôle de drame, Le Quai des brumes, Le jour se lève, Les Visiteurs du soir, Les Enfants du paradis et Les Portes de la nuit de Marcel Carné, Le Crime de Monsieur Lange de Jean Renoir, Remorques et Lumière d'été de Jean Grémillon. Il a, à deux reprises, adapté des contes de Hans Christian Andersen, d'abord La Bergère et le Ramoneur devenu Le Roi et l'Oiseau, film d'animation de Paul Grimault en 1957, puis en 1964, Grand Claus et Petit Claus, autre conte d'Andersen, à la télévision, Le Petit Claus et le Grand Claus de son frère Pierre Prévert.

Pendant la guerre, il protège son ami musicien et juif, Joseph Kosma ¹ qui, grâce à lui, peut poursuivre son travail de musicien, et il aide également à se cacher le décorateur Alexandre Trauner, recherché par les allemands.

Ses poèmes sont mis en musique par Joseph Kosma dès 1935 (À la belle étoile) : ses interprètes sont entre autres Agnès Capri, Juliette Gréco, Les Frères Jacques, Yves Montand. Son recueil Paroles, publié en 1946, obtient un vif succès.

Il écrit des pièces de théâtre. Son anticléricalisme, parfois violent, est souvent négligé par le public, au profit de ses thèmes sur l'enfance et la nature.

Sa fille Michèle naît en 1946. Il épouse Janine Tricotet en 1947.

Le 12 octobre 1948, à Paris, il tombe d'une porte-fenêtre et reste plusieurs jours dans le coma. Le hasard a voulu que Pierre Bergé en ait été témoin, le jour même où celui-ci venait d'arriver pour la toute première fois dans la capitale alors qu'il se promenait sur les Champs-Élysées.

Son domicile parisien est situé dans le quartier de Montmartre, au fond d'une petite impasse derrière le Moulin Rouge, sur le même palier que Boris Vian.

Son domicile secondaire est à Antibes, mais, à la suite de la résiliation de son bail par le propriétaire qui souhaitait récupérer l'appartement des remparts, il doit quitter Antibes. Sur les conseils du décorateur Alexandre Trauner, il achète alors une maison en 1971 à Omonville-la-Petite, dans la Manche. Le 11 avril 1977, il y meurt des suites d'un cancer du poumon, lui qui avait toujours la cigarette à la bouche. Il avait 77 ans.

Aux côtés de sa femme, de sa fille et d'Alexandre Trauner, il est enterré au cimetière d'Omonville-la-Petite, où l'on peut également visiter sa maison. Non loin de là, à Saint-Germain-des-Vaux, ses amis ont aménagé un jardin dédié au poète.

Style

Prévert fait éclater le caractère conventionnel du discours par le jeu des mots. Sa poésie est constamment faite de jeux sur le langage (calembours, inventions burlesques, néologismes, lapsus volontaires…) dont le poète tire des effets comiques inattendus (un humour parfois noir), des significations doubles ou encore des images insolites.

Ses poèmes fourmillent de jeux de sons, de combinaisons pour l'oreille (allitérations, rimes et rythmes variés) qui paraissent faciles mais dont Prévert fait un usage savant. Enfin, il ne faut pas négliger, comme l'a fait remarquer Danièle Gasiglia-Laster dans son introduction aux Œuvres Complètes de Prévert dans la Bibliothèque de la Pléiade, les apports du surréalisme dont on retrouve les traces: inventaires, énumérations hétéroclites d'objets et d'individus, additions de substantifs ou d'adjectifs, etc. Il est friand des procédés de l'image, de la métaphore et de la personnification (animal, objet, humain).

Prévert s'en prend aux stéréotypes du langage, à tout ce qui est figé, imposé : « Les expressions stéréotypées, les citations célèbres, les proverbes, permettent toutes les mystifications possibles. Quand certains êtres en oppriment d'autres, ils tentent en effet de leur faire croire que ce qui se dit ou s'écrit reflète l'ordre naturel des choses : "A tout seigneur tout honneur", "Qui aime bien châtie bien", etc. Aussi Prévert va-t-il détourner de leur sens ces "messages du mensonge", les subvertir au profit de ceux qu'ils desservaient : "Cent fois sur le métier remettez votre ouvrage à demain, si on ne vous paie pas le salaire d'aujourd'hui" [...], ou bien inventera à son tour des aphorismes qui insinueront d'autres rapports de force et surtout une autre conception de la société : "Quand les éboueurs font grève, les orduriers sont indignés" [...]. Quand il utilise des clichés, non pas pour les mettre dans la bouche de personnages sans consistance mais pour son propre compte, il leur fait subir une cure de jouvence, le plus souvent en les prenant à leur premier degré de signification. Ainsi, le monde de "Lanterne magique de Picasso" est-il "beau comme tout", comme la totalité de l'univers et de ses parcelles. Bousculer les automatismes se révèle en définitive vital, car à trop se contenter d'utiliser le langage tel qu'il nous est donné, avec les mêmes immuables associations, on risque de pétrifier les êtres et les choses.» explique Danièle Gasiglia-Laster (Introduction au tome 1 des Œuvres complètes de Prévert, Bibliothèque de la Pléiade, Gallimard).

« Jacques Prévert est très attaché à la langue. Il est un gourmet des mots qui éprouve un vrai plaisir en jouant avec eux. Et cette jouissance du verbe, il la communique à ses lecteurs. Dès que les mots jaillissent, il les attrape et s’amuse : il les associe, les oppose, les détourne, les fait sonner les uns avec les autres, joue avec leurs différents sens… Il part de mots simples, « des mots de tous les jours » comme les nomme Garance/Arletty dans Les Enfants du paradis (Marcel Carné, 1945). Et, grâce à un travail d’orfèvre, il leur donne une force et une vivacité teintées d’humour – parfois noir et féroce – qui constituent sa patte. L’humour est capital. N’oublions pas que Prévert a été élevé à la distinction de Satrape du Collège de Pataphysique en qualité de fabricants de Petits Plats dans les Grands pour la définition qu’il en avait donné dans La Nef (01/1951) : " Depuis trop longtemps on prenait l’humour à la légère, il s’agit maintenant de le prendre à la lourde " » écrit Carole Aurouet dans Jacques Prévert Paris la belle. Catalogue d'exposition.

Ses principaux jeux de mots: 

• jeu de cortège: développement descriptif, énumération d'objets et/ou d'individus.
• équivoque: jeux sur la double signification d'un mot, au sens propre et au sens figuré, sens courant ou sens argotique. Exemple: le titre du poème Petite tête sans cervelle, pris au figuré, prend plus tard le sens propre : l'enfant distrait sera renversé par un train.
• zeugma: procédé qui rattache grammaticalement des termes qui ne se rapportent pas logiquement l'un à l'autre. Exemple de l'auteur: "Napoléon prit du ventre et beaucoup de pays."
• calembours: fondé sur une similitude de sons ou de sens.
• néologisme: création de nouveaux mots.
• mots pris à la lettre: jeux sur le sens premier des mots.
• logique de l'absurde: tout ce qui est contraire à la raison.
• allitération: répétition de consonnes ou voyelles avec un but d´imitation.
• rime et rythme: intérieur et extérieur.
• aphorismes de fantaisie: maximes et proverbes de son imagination.
• La syllepse est la figure de style qu'il utilise avec prédilection: elle consiste à opérer des glissements entre le sens propre et le sens figuré des mots. Par exemple, dans un texte de Paroles, intitulé « La Lessive », Prévert joue avec une expression populaire « laver son linge sale en famille » (qui désigne le fait de garder dans le cercle familial les éventuels « secrets honteux » qu'on peut avoir à cacher) et s'amuse à la prendre au pied de la lettre, en représentant la famille autour d'un baquet, en train de récurer la fille de la maison qui a commis une faute qui sème la zizanie dans le cercle familial.

Citations

« Le titre du recueil Paroles, notent Danièle Gasiglia-Laster et Arnaud Laster, sonne comme un défi, un refus de se soumettre à la tradition qui privilégie l'écrit et l'imprimé ; ce que confirment les propos de Prévert rapportés par un journaliste : "Il n'est pas vrai que les écrits restent. Ce sont les paroles". Propos qui font écho, en plus provocateurs, à ceux qu'il avait déjà mis dans la bouche d'un facteur - homme de lettres à sa manière, un confrère en somme : « les écrits s'envolent, les paroles restent » [Drôle d'immeuble, La Pluie et le Beau Temps]. Donne-t-il par là raison à un critique de Paroles qui se demandera - sans penser particulièrement au titre - s'il ne s'agirait pas « sous couleur de désinvolture d'une démarche poétique particulièrement ambitieuse ? » Il est permis de le soutenir, même si Prévert vise moins à substituer une hiérarchie à une autre qu'à suggérer, à la faveur d'un renversement, l'égale valeur de tous les modes d'expression. »

Carole Aurouet en fait le commentaire suivant :

« Outre les thèmes abordés, Paroles est également novateur, atypique et détonant, par sa forme et son style. C’est un recueil placé sous le signe de l’éclectisme dans lequel on trouve aussi bien des textes courts que des chansons, des histoires, des instantanés et des inventaires. Prévert y mélange les genres. Il ne s’inscrit dans aucune taxinomie poétique. Par ailleurs, il tord le cou aux règles de versification classique, tant au niveau du rythme que de la disposition ou de la ponctuation. Prévert a notamment gardé de son passage par le surréalisme une façon singulière de détruire les clichés langagiers et les lieux communs. Il attire, par exemple, l’attention de ses lecteurs sur l’arbitraire du signe. Il use avec brio des contrepèteries, des calembours, des équivoques et des allégories. Il rend hommage en quelque sorte au langage populaire. »

Danièle Gasiglia-Laster précise, dans son analyse sur Paroles parue dans la collection Foliothèque de Gallimard :

«  Que le poète sache manier l'extrême concision ne fait pas de doute, mais il excelle aussi dans les grands textes foisonnants où il met alors en scène de multiples personnages qui évoluent dans des environnements variés. »

Il entre alors au Collège de "Pataphysique" dont il devient Transcendant Satrape en 1953.

« Le Collège ne prenant pas en compte des transformations aussi peu importantes que le décès, il y demeure président mémorial de la Sous-Commission des Paraphrases. »

Scénariste

Prévert est, avec notamment Quai des brumes de Marcel Carné en 1938,Le Crime de Monsieur Lange de Jean Renoir (1936) et Les Enfants du paradis de Marcel Carné (1945), l'un des grands scénaristes français.

Les réalisateurs avec qui il a travaillé lui accordaient une grande confiance sur l'histoire racontée par le film. Nombre de réalisateurs, ont réalisé leur meilleur film avec lui, ou du moins le plus original. Nombre de ses répliques ( « —T'as de beaux yeux, tu sais ? — Embrassez-moi.») (« — François, y a plus de François ! ») ( « Paris est tout petit pour ceux qui s’aiment comme nous d’un aussi grand amour.») (« Vous êtes riche et vous voudriez être aimé comme un pauvre. Et les pauvres on ne peut quand même pas tout leur prendre, aux pauvres ! ») sont parfois plus connues que ses poèmes. Prévert qui travaillait sur les films jusqu'au mot FIN  est souvent qualifié d'auteur sans que des réalisateurs aussi talentueux que Renoir, Carné ou Grémillon en prennent ombrage.

Il a travaillé près de trente ans avec Paul Grimault sur Le Roi et l'Oiseau, et, alors que Paul Grimault avait enfin trouvé les moyens de finir son film, et que Prévert était à l'article de la mort, il a travaillé sur les dialogues jusqu'à son dernier souffle. La veille de sa mort, il envoie un télégramme à Paul Grimault avec ces mots : « Et s'il n'en reste qu'un, nous serons ces deux-là.» Le Roi et l'Oiseau s'achève sur la libération d'un oiseau enfermé dans sa cage par le robot destructeur, libéré lui aussi, et qui, dès que l'oiseau s'envole, écrase la cage d'un coup de poing.

Dans le cinéma, son nom est attaché aux grandes œuvres de la période du cinéma français de 1935 à 1945. Après guerre, l'insuccès commercial du film Les Portes de la nuit sera le prétexte aux productions de cinéma pour ne plus travailler avec cet auteur trop engagé, et trop indépendant pour se soumettre à leurs ordres. Il continue comme scénariste, avec encore de belles réussites, comme Les Amants de Vérone d'André Cayatte (1948), les films réalisés avec Paul Grimault, notamment Le Roi et l'Oiseau dont il est question plus haut, les films réalisés pour la télévision avec Pierre Prévert, Le Petit Claus et le Grand Claus (196)4, La Maison du passeur (1965). Mais à partir de la publication de Paroles, il se consacre davantage à ses textes publiés en recueils.

Sa relation avec la musique classique

Prévert a écrit un certain nombre de poèmes en hommage à des œuvres musicales qu'il appréciait. Cette relation du poète à la musique classique est assez méconnue car il s'exprimait peu sur le sujet. Il a néanmoins, en 1974, participé, à la demande d'Arnaud Laster, à une émission diffusée sur France Musique, L'Antenne de France-Musique est à Jacques Prévert. Dans cet entretien avec A. Laster, enregistré dans la maison qu'il habitait alors avec sa femme Janine à Omonville-la-Petite, il parle de son goût pour des musiciens aussi divers que Alban Berg, Georges Bizet, Igor Stravinsky, Antonio Vivaldi, Erik Satie, Haendel, Carl Orff... C'est le peintre Autrichien Lucas Suppin qui a mis en relation Jacques Prévert avec Carl Orff. Nous apprenons également dans ces lettres de Suppin que Orff, Suppin et Prévert avaient un projet commun autour d'un livre (probablement autour du thème d'Œdipe) mais celui-ci ne s'est jamais réalisé. Prévert entretenait avec Carl Orff une proximité amicale comme en témoignent ses dédicaces régulières, dont une datée de 1959 : « à Carl Orff, à sa musique - Jacques Rêve-vert ». Un poème publié dans Choses et autres, Carmina Burana (titre d'une cantate scénique de Carl Orff : Carmina Burana) rend hommage à ces chants profanes. Ce poème sera repris dans l'ouvrage "Carmina Burana" (Manus Press 1965 ) illustré de partitions de Carl Orff et de dessins de Hap Grieshaber. Prévert entend dans la musique de Carl Orff, écrit Arnaud Laster, « un hymne à la beauté et à l'amour » et « une revendication du bonheur qui rejoint la sienne »¹². Notons enfin, coïncidence ou pas, que l'un et l'autre ont travaillé l'histoire d'Agnès Bernauer: Die Bernauerin pour Carl Orff en 1947 et Agnès Bernauer pour Prévert en 1961 dans le film Les Amours célèbres de Michel Boisrond.

Œuvres

• 1946 : Paroles
• 1946 : Histoires
• 1947 : Les Enfants qui s'aiment

• 1951 : Spectacle
• 1955 : La Pluie et le beau temps
• 1955 : Lumières d’homme
• 1963 : Histoires et d'autres histoires
• 1966 : Fatras
• 1970 : Imaginaires
• Choses et autres
• 1980 : Soleil de nuit, recueil posthume, édition préparée par Arnaud Laster avec le concours de Janine Prévert.
• 1984 : La Cinquième Saison, recueil posthume, édition préparée par Arnaud Laster et Danièle Gasiglia-Laster avec le concours de Janine Prévert.
• Œuvres complètes, édition établie, présentée et annotée par Danièle Gasiglia-Laster et Arnaud Laster, Bibliothèque de la Pléiade, Gallimard, t. I, 1992 [réimpression la plus récente : 2008], t. II, 1996 [réimpression la plus récente : 2004]

Théâtre

• Octobre

Entretiens

• Hebdromadaires (avec André Pozner)

Livres d'art et collages

• 1951 : Grand Bal du printemps, avec le photographe Izis
• 1952 : Charmes de Londres, avec le photographe Izis
• Durnes, avec Pablo Picasso et le photographe André Villers
• Couleur de Paris, avec le photographe Peter Cornelius
• Le Cirque d'Izis, avec Marc Chagall et Izis
• Les chiens ont soif, avec Max Ernst
• Varengeville, avec Georges Braque
• Fêtes, avec Alexander Calder
• 1973 : Eaux-fortes (avec Marcel Jean)
• Adonides, avec Joan Miró
• 1976 : Arbres (gravures de Georges Ribemont-Dessaignes)

Livres pour enfants

Si plusieurs livres pour la jeunesse sont parus après la mort de Jacques Prévert sous sa signature, Prévert n'y est pour rien. Ces volumes post mortem ont été constitués à partir de textes extraits de ses recueils et ont été ornementés. De son vivant, il n'avait conçu et publié que six livres pour les enfants.

• 1947 : Contes pour enfants pas sages
• 1947 : Le Petit Lion, avec des photographies d'Ylla
• 1950 : Des bêtes, avec des photographies d'Ylla
• 1952 : Lettre des îles Baladar, avec des illustrations de André François
• 1952 : Guignol, avec des peintures de Elsa Henriquez
• 1953 : L'Opéra de la lune, avec des illustrations de Jacqueline Duhême

Deux films pour enfants dont Jacques Prévert est le coauteur ont fait l'objet d'une version livresque :

• 1952 : Bim, le petit âne, de Jacques Prévert et Albert Lamorisse
• 1980 : Le Roi et l'Oiseau, de Jacques Prévert et Paul Grimault

Autres ouvrages

• 1946 : Le Cheval de Trois
• 1951 : Vignettes pour les vignerons
• 1953 : Tour de chant

Poèmes et textes mis en chanson

• 1959 : Récital 1958 au Théâtre de L'Étoile (2 titres)
• 1962 : Yves Montand chante Jacques Prévert (album de 15 titres)

Anthologie

• Jacques Prévert, un poète, textes choisis et présentés par Arnaud Laster, Folio junior en poésie, Gallimard, 1980 [nouvelle édition : 1993]

Filmographie

• 1932 : Baleydier de Jean Mamy adaptation et dialogues
• 1932 : Comme une carpe de Claude Heymann, scénario, adaptation et histoire
• 1932 : L'affaire est dans le sac de Pierre Prévert, scénario et dialogues
• 1933 : Ciboulette de Claude Autant-Lara, adaptation et dialogues
• 1933 : Si j'étais le patron de Richard Pottier, scénario
• 1934 : Le Taxi de minuit de Albert Valentin
• 1934 : L'Hôtel du libre échange de Marc Allégret
• 1935 : Un oiseau rare de Richard Pottier
• 1936 : Moutonnet de René Sti, adaptation et dialogues
• 1936 : Jenny de Marcel Carné
• 1936 : Le Crime de Monsieur Lange de Jean Renoir, adaptation et dialogues
• 1937 : 27 rue de la Paix de Richard Pottier, adaptation
• 1937 : Drôle de drame de Marcel Carné, adaptation et dialogues
• 1937 : L'Affaire du courrier de Lyon de Claude Autant-Lara et Maurice Lehmann, dialogues
• 1938 : Ernest le rebelle de Christian-Jaque, dialogues
• 1938 : Les Disparus de Saint-Agil de Christian-Jaque, dialogues (non crédité)
• 1938 : Le Quai des brumes de Marcel Carné, scénario and dialogues
• 1939 : The Mysterious Mr. Davis de Claude Autant-Lara
• 1939 : Le jour se lève de Marcel Carné
• 1941 : Remorques de Jean Grémillon, adaptation et dialogues
• 1941 : Une femme dans la nuit de Edmond T. Gréville, adaptation et dialogues (non crédité)
• 1941 : Le Soleil a toujours raison de Pierre Billon, adaptation et dialogues
• 1942 : Les Visiteurs du soir de Marcel Carné
• 1943 : Lumière d'été de Jean Grémillon, scénario et dialogues
• 1943 : Adieu Léonard de Pierre Prévert, scénario et dialogues
• 1945 : Les Enfants du paradis de Marcel Carné
• 1945 : Sortilèges de Christian-Jaque, adaptation et dialogues
• 1946 : Aubervilliers de Éli Lotar, commentaires
• 1946 : Les Portes de la nuit de Marcel Carné
• 1946 : Voyage surprise de Pierre Prévert, scénario et dialogues
• 1947 : L'Arche de Noé de Henry Jacques, adaptation et dialogues
• 1947 : Le Petit soldat de Paul Grimault
• 1947 : La Fleur de l'âge de Marcel Carné, film inachevé
• 1949 : Les Amants de Vérone de André Cayatte, dialogues
• 1950 : Souvenirs perdus de Christian-Jaque
• 1950 : Bim le petit âne de Albert Lamorisse, écriture et commentaire
• 1950 : La Marie du port de Marcel Carné, dialogues (non crédité)
• 1953 : La Bergère et le ramoneur de Paul Grimault, scénario, adaptation et dialogues
• 1956 : Notre-Dame de Paris de Jean Delannoy
• 1958 : La Seine a rencontré Paris de Joris Ivens
• 1959 : Paris la belle de Pierre Prévert, voix
• 1961 : Amours célèbres de Michel Boisrond, adaptation et dialogues
• 1964 : Le Petit Claus et le Grand Claus de Pierre Prévert d'après le conte d'Hans Christian Andersen
• 1966 : À la belle étoile de Pierre Prévert, adaptation
• 1970 : Le Diamant de Paul Grimault
• 1980 : Le Roi et l'Oiseau de Paul Grimault, scénario, adaptation et dialogues
  

  
  

  PAROLES (1945)

   

  Yves Montand chante Prévert 

   

  Serge Gainsbourg, les cimitières et Prévert 

  
  
  Kevin Johansen et Prévert

   

  Les feuilles mortes

  (musique: Joseph Kosma, paroles: Jacques Prévert, interprete pour la premiere fois par Yves Montand en 1946)
  
  
  
  C'est une chanson, qui nous ressemble 
  Toi tu m'aimais et je t'aimais 
  Nous vivions tous, les deux ensemble
  Toi que m'aimais moi qui t'aimais
  Mais la vie sépare ceux qui s'aiment
  Tout doucement sans faire de bruit 
  Et la mer efface sur le sable les pas des amants désunis
  
  
  Oh! je voudrais tant que tu te souviennes
  Des jours heureux oů nous étions amis
  En ce temps-la la vie était plus belle,
  Et le soleil plus brűlant qu'aujourd'hui
  Les feuilles mortes se ramassent a la pelle
  Tu vois, je n'ai pas oublié...
  Les feuilles mortes se ramassent a la pelle,
  Les souvenirs et les regrets aussi
  Et le vent du nord les emporte
  Dans la nuit froide de l'oubli.
  Tu vois, je n'ai pas oublié
  La chanson que tu me chantais.
  
  
  C'est une chanson qui nous ressemble
  Toi, tu m'aimais et je t'aimais
  Et nous vivions tous deux ensemble
  Toi qui m'aimais, moi qui t'aimais
  Mais la vie sépare ceux qui s'aiment
  Tout doucement, sans faire de bruit
  Et la mer efface sur le sable
  Les pas des amants désunis.
  
  
  Les feuilles mortes se ramassent a la pelle, 
  Les souvenirs et les regrets aussi 
  Mais mon amour silencieux et fidele
  Sourit toujours et remercie la vie 
  Je t'aimais tant, tu étais si jolie, 
  Comment veux-tu que je t'oublie? 
  En ce temps-la, la vie était plus belle
  Et le soleil plus brűlant qu'aujourd'hui 
  Tu étais ma plus douce amie
  Mais je n'ai que faire des regrets 
  Et la chanson que tu chantais
  Toujours, toujours je l'entendrai!
  
  
  C'est une chanson qui nous ressemble
  Toi, tu m'aimais et je t'aimais
  Et nous vivions tous deux ensemble
  Toi qui m'aimais, moi qui t'aimais
  Mais la vie sépare ceux qui s'aiment
  Tout doucement, sans faire de bruit
  Et la mer efface sur le sable
  Les pas des amants désunis.

  ´

  
  

  QUESTIONNAIRE
  
  
  1)a. Ce texte est-il écrit en prose ou en vers? Justifiez votre réponse en vous appuyant sur deux indices.

  b. A quel genre précis appartient-il? Justifiez votre réponse.

  
  
  
  2) A quelle personne le poète s'exprime-t-il? A qui s'adresse-t-il? Avec quel pronom?

  
  
  
  3) Quelles relations les deux personnages entretiennent-ils? Pour répondre :

  a. Relevez un champs lexical que vous nommerez;

  b. Etudiez le choix et la place des pronoms dans les vers 14 à 18.

  
  
  
  4) Quel est le souhait exprimé par le poète? Identifiez l'interjection et le type de phrase par lequel il l'exprime [vers 1]

  
  
  
  5)a. Relevez, dans la première strophe, deux indications temporelles qui marquent l'opposition entre le passé et le présent.

  b. Identifiez les deux temps verbaux qui soulignent cette opposition. Citez un exemple de chaque.

  
  
  
  6)a. Identifiez et expliquez la figure de style présente dans la première strophe.

  b. Quelles sont les deux saisons qui s'opposent? A quels sentiments sont-elles associées? A quelles différentes époques de la vie du poète renvoient-elles?

  
  
  
  7)a. Relevez, dans le refrain, le connecteur logique qui exprime la rupture entre deux époques.

  b. Identifiez la valeur de présent dans le vers 19.

  c. Relevez les deux champs lexicaux opposés dans les vers 13 à 23.

  d. Quelle image est suggérée par la mer dans les vers 22-23?

  
  
  
  8)a. Dans la dernière strophe, relevez les deux mots qui caractérisent l'amour qu'éprouve le poète. Identifiez leur classe grammaticale.

  b. Quel adverbe marque la permanence de cet amour?

  
  
  
  9)a. Identifiez le degré d'intensité des adjectifs belle et brûlant dans les vers 3, 4 et 30, 31.

  b. Quelle évolution voyez-vous concernant l'état intérieur du poète entre le début et la fin du poème? Justifiez votre réponse.

  
  
  
  10)a. Quel rôle la chanson a-t-elle joué dans la vie passée?

  b. Quel rôle est-elle ensuite amenée à jouer pour le poète? Appuyez-vous sur le jeu des temps et sur le mot répété dans le dernier vers.

  
  
  

  11) Comparez les paroles de "Les feuilles mortes" avec celles de "Rien de rien":

  
  

  Paroles : Michel VAUCAIRE
  Musique : Charles DUMONT
  (c) 1961 Editions Eddie Barclay 
  

  
  Non ! Rien de rien
  
  
  
  
  Non ! Je ne regrette rien
  
  Ni le bien qu'on m'a fait
  
  Ni le mal tout ça m'est bien égal!
  
  
  
  
  Non ! Rien de rien
  
  Non ! Je ne regrette rien
  
  C'est payé, balayé, oublié
  
  Je me fous du passé !
  
  
  
  
  Avec mes souvenirs
  
  J'ai allumé le feu
  
  Mes chagrins, mes plaisirs
  
  Je n'ai plus besoin d'eux !
  
  
  
  
  Balayés les amours
  
  Et tous leurs trémolos
  
  Balayés pour toujours
  
  Je repars à zéro
  
  
  
  
  Non ! Rien de rien
  
  Non ! Je ne regrette rien
  
  Ni le bien, qu'on m'a fait
  
  Ni le mal, tout ça m'est bien égal !
  
  
  
  
  Non ! Rien de rien
  
  Non ! Je ne regrette rien
  
  Car ma vie, car mes joies
  
  Aujourd'hui, ça commence avec toi !
  

  
  

  Revenons à Prévert:

  
  
  Alicante 
  Une orange sur la table  
  Ta robe sur le tapis  
  Et toi dans mon lit  
  Doux présent du présent
    Fraîcheur de la nuit
    Chaleur de ma vie.
  
  
  
  Le cancre 
  Jacques Prévert (1900 - 1977)
  

Il dit non avec la tête
Mais il dit oui avec le coeur
Il dit oui à ce qu'il aime
Il dit non au professeur
Il est debout
On le questionne
Et tous les problèmes sont posés
Soudain le fou rire le prend
Et il efface tout
Les chiffres et les mots
Les dates et les noms
Les phrases et les pièges
Et malgré les menaces du maître
Sous les huées des enfants prodiges
Avec des craies de toutes les couleurs
Sur le tableau noir du malheur
Il dessine le visage du bonheur.

http://www.youtube.com/watch?v=UH3St4_bhD8

 Spectacle du stage Choeur en Scène 2010 à l'auditorium de l'opéra de Massy.

Un texte pour réfléchir....


Avez- vous de cancre dans votre classe?

TOUS PREFERENT REUSSIR, Alain Sotto (www.cancres.com)

On aime apprendre dès lors que l’on sait pourquoi et comment apprendre.

Un grand nombre d’enfants sont en souffrance scolaire, d’autres font leur travail correctement mais sans éprouver de joie. Ils manquent de motivation, de projet. Comment feront-ils, au sortir de l’adolescence, bac en poche ou non, pour poursuivre des études ou encore conquérir le monde du travail ? Il serait illusoire de croire que soudain ils vont aimer travailler, faire les efforts qu’il faut pour mémoriser ou réfléchir… Bien entendu, il y a les heureux qui, grâce à une rencontre, quelle qu’elle soit, trouvent à un moment dans leur scolarité, le déclic qui va transformer le pensum scolaire en un apprentissage, lequel certes requiert des efforts, mais apporte aussi de la joie. De la joie? 

Mais oui, il y a de la joie à travailler, il y a de la joie à réussir. Il y a de la joie à réussir quelque chose qui a demandé des efforts. Encore faut-il savoir pourquoi on doit faire ces efforts, savoir où porter ses efforts. Il importe de souligner que nombreux sont ceux à ne pas aimer une activité tant qu’ils échouent à la bien pratiquer : savoir comment s’y prendre les aide à être motivé. Rien ne sert de gaver l’apprenant de savoirs : il est des enfants qui répètent depuis des années la même règle et qui, cinq ou six ans plus tard, ne la comprennent pas, ne savent pas l’appliquer. Ne vaut-il pas mieux les responsabiliser, leur apprendre à penser, à mémoriser, leur apprendre à apprendre ?

Et si on leur disait comment réfléchir, car on ne réfléchit pas de la même façon selon la tâche à accomplir, mais cela le savent-ils ? qui le leur apprend ?

Alors que faire concrètement avec l’enfant à s’intéresser à ce qu’il est, à ce qu’il fait et pas seulement à son travail scolaire ; lui apprendre à regarder, à penser par lui-même, à s’approprier le monde, à se faire une opinion, à devenir curieux. On l’aide à se sentir concerné, à acquérir des méthodes performantes, on reconnait ses efforts, on exprime sa confiance en sa capacité de réussir, on montre de l’enthousiasme quand on travaille avec lui.

A la base de tout effort, il existe un intérêt ou une nécessité : aussi l’apprentissage doit-il avoir un sens pour l’enfant.

Pour que l’enfant s’implique dans ce qu’il apprend, il faut qu’il ait un projet personnel, un projet de vie, qui donne un sens à son apprentissage. Ce projet n’est pas celui de l’élève, mais de l’enfant. L’enfant se projette vers l’avenir, il y projette une image positive de lui-même, et c’est la coïncidence entre son projet et son apprentissage qui donne le sens à cet apprentissage. Pour prendre forme, ce projet doit coïncider avec celui de la famille, de ceux qui sont proches affectivement. Un enfant se tend vers l’avenir s’il peut imaginer, même confusément, inconsciemment, cet avenir. Sans sécurité affective, sans confiance en ce que l’on est, il n’y a pas de futur possible, et sans futur, aucun projet de vie ne peut émerger.